每週一舞‧蘿賓‧奧林 Robyn Orlin

                 南非編舞家  蘿賓‧奧林 Robyn Orlin

上個月的巴黎秋季藝術節，有位女編舞家在著名的羅浮宮，召集了八名羅浮宮警衛、一名歌手、一名演員及三名舞者，上演了一檔名為《小路易的褓母》Babysitting Petit Louis的奇妙舞作。

演出中，警衛舞者演員們領著觀眾們，在這棟法國十七世紀路易王朝，極盡奢華的雕像畫作寶庫中穿梭，表演者穿戴用廉價閃光材質所裁縫的衣裳，扮成路易十四及宮中朝臣、嬪妃們，過程中一路載歌載舞，不時嘲諷著一旁的經典大理石雕像、歷史英雄神話巨幅畫作，還出現了幾幅鑲在古典畫框中，警衛大啖起司的真實生活影像「偽畫作」，然後有一個演員扮成歷史鬼魂，不斷質問觀眾，你們在尋找什麼？

場景來到2007年的巴黎歌劇院，這位女編舞家受邀替舞團創作，她新編了古典作曲家韓德爾的清唱劇「快樂的人與憂傷的人」L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato。這個受文學家米爾頓啟發創作的樂曲，在樂池莊嚴的響樂奏出序曲後，燈亮的舞台上竟擠著一群歌劇院舞團的高挑舞者，他們荒謬地穿著豔俗的南非當地風格服裝，在一大面幾乎把舞者擋光的螢幕下跳舞，而螢幕上放映的，是遠在地球另一邊，南非當地的殘敗荒涼郊區影像。

這就是本週要介紹的，近年來在歐陸相當走紅，來自南非的編舞家蘿賓‧奧林Robyn Orlin。這位編舞家的作品相當旗幟鮮明，永遠以她生長地南非為題材，在視覺上充滿鮮豔色彩，誇張的當地寬鬆衣裳、節奏性強的土著音樂、連串炮不停的地方方言…，可說是把南非這個元素，用得淋漓盡致。

但是在一片歡樂氣氛中，舞作的內容則充滿了其嚴肅性，性別、政治、愛滋、原住民、種族、社會…，她說過：「舞蹈就是政治」，所以在舞台上，她永遠將南非的種種問題赤裸呈現，而這些問題，也正是世界的問題。早期，她偏向質疑「舞蹈」這個藝術形式，舞蹈是誰的？誰可以跳舞？所以她選用的舞者其實相當業餘。在西方闖出一片天後，舞作內容政治性指向愈加強烈，南非的種族、人權、貧富、愛滋 …等問題，均是他舞作慣有的題材。

我2005年第一次看她的作品《When I Take Off My Skin…》時，簡直覺得作品不知所云，一群南非舞者在舞台上唱唱跳跳，在奇怪的舞台裝置中弄東弄西，舞者不斷拿著針孔攝影機亂拍…，沒有什麼故事，也沒有什麼所謂的「舞蹈」。

不過2007年替南非嘻哈舞團Via Katlehong Dance編的《Still Live....》卻一舉打動了我。先說這個舞團的風格，他們的舞風結合了嘻哈、南非土魯族舞蹈與當地礦工的雨鞋舞，舞技高超又充滿地方色彩，相當的成功。

不過這次蘿賓‧奧林並沒有太多機會讓他們展現高超舞技，反而讓他們在台上嘰哩刮拉聊天，一邊玩遊戲，最後用布裝扮成鴨子，然後一群鴨子看影片，影片是他們在南非街上裝成鴨子的照片，還讓當居民也變成鴨子拍照留念。當然，編舞家的招牌招式沒少，鴨子們拿著針孔攝影機，到觀眾席亂拍，並且邀請觀眾當鴨子。

首先是舞者在台上展現的「生活風格」，在一大片當地色彩布幕前，舞者穿著鮮豔閃亮的服裝，既原始又現代在嬉戲，嬉戲中展現的是他們樂觀愉悅的天性。可是當他們將後方布幕拿下，包裹在每一個人身上，裝上鴨子頭變成鴨子時，這群滑稽的鴨子，忽然好像喪失了些什麼？

此時出現舞者出生地，南非的貧窮街區畫面，這種歡樂開始變化，一種都市現代化之後，所造成階級貧富差距，對他們愉悅天性所產生的變化。當我們在此地看遠在他方的真實，那種距離感此時忽然消失，於是觀眾開始明白前面，看似無意義的鋪陳。尤其是當地區民也套上鴨子頭，變成鴨子的照片畫面，與現場的舞者鴨子，交織出強烈的「現場感」，我們被都被帶到南非貧民區，他們與我們緊緊相連。

尤其當舞者拿著針孔攝影機走到觀眾席，原來的螢幕上開始出現在現場的「我們」，歡樂的鴨子跟著觀眾跳舞，可是真實的南非貧民區鴨子，卻深深烙在觀眾的腦海裡，於是蘿賓‧奧林又完成了一次「舞蹈就是政治」的實踐。

☆ 蘿賓‧奧林 《Daddy, I’ve Seen … 》1999

☆蘿賓‧奧林《跟著鞋子散步…》Walking next to our shoes...2009

 

阿富汗小陽光 Aftaab Theatre《魔鬼的日子》

 

            阿富汗小陽光劇團  演出海報  photo: 謝東寧

今年是法國陽光劇團創立四十五週年紀念，當年從一群理想熱血青年霸佔廢棄場房排戲，成長茁壯至今日國際級旗艦劇場，無論其關懷人權的劇場內容，或者探索戲劇本質的劇場形式，其一舉一動都影響著當代劇場史的書寫。

在今年新季的開始，除了團長莫努虛金於九月初，至挪威奧斯陸接受頒獎，她榮獲第二屆國際易卜生獎 International Ibsen Award 桂冠（首屆頒給彼得‧布魯克）。還有正緊鑼密鼓排練，籌備三年至今未透露任何劇情內容，預計在十一月十一日首演(註)的大戲《另一條路》L’Autre Route（暫定）。但觀眾可以先看到的，是陽光劇團為青年劇團舉辦的第七屆「首步藝術節」Le festival Premiers Pas。

在本屆的藝術節中，最令人矚目的演出，是來自阿富汗的青年劇團 Aftaab Theatre，「Aftaab」在波斯語的意思就是「太陽」（中譯「陽光」），這個與陽光劇團同名的劇團，不但是阿富汗境內唯一的現代劇團，並由莫努虛金與陽光劇團一手推動。

談起這段歷史，得回溯至陽光劇團2003年的創作《最後的驛站(奧德塞)》。在這齣戲中描述的劇情，主要由中亞國家阿富汗，因連年戰爭、塔利班神權政府迫害，人民不得已偷渡到西方國家之過程、原因、及後來所發生的故事，而導演將這群人的悲情故事，隱喻化身為希臘荷馬史詩中，英雄（奧德塞）的冒險旅程。

這齣劇中的故事，全是導演帶領團員，實地調查訪問後寫成的真實故事，不但如此，劇中演員更是大膽啟用，許多真正偷渡來法國的阿富汗難民。這個在戲內戲外都充滿人道關懷的舉動，引起了國際人權組織「阿富汗文化基金會」的興趣。

2005年一月，莫努虛金受該組織邀，請帶領近五十名團員，出發前往飽受將近30年戰火蹂躪的阿富汗，在首都喀布爾開設戲劇工作坊，長達三週的工作坊結束之後，莫努虛金徵詢二十名學員，共同成立了阿富汗的小陽光劇團。（其過程日後出版了紀錄片《 ㄧ個太陽在喀布爾...甚至是兩個》 Un soleil à Kaboul ... ou plutôt deux ）。

這個由法國媽媽生出的阿富汗小孩，是如何運作的呢？譬如此次上演的新戲《魔鬼的日子》Ce jour-là 為例，劇團十四位平均二十五、六歲的演員，從今年四月開始，就全部從阿富汗移地至巴黎彈藥庫園區，與陽光劇團的編導、幕後工作團隊共同排戲及生活。

本劇的結構與《最後的驛站(奧德塞)》相似，全劇由許多小故事組成，但是上回故事的敘述者是導演莫努虛金，由她的觀點來看阿富汗與世界，這次故事的主導權回到這批年輕的演員，此時此刻正生活在當地他們，說出了來自本身及親友悲慘故事，以一種年輕人的觀點，揭露虛偽政治檯面下的真實。

故事從1995年阿富汗遭塔利班政府掌權開始，塔利班以狹隘的伊斯蘭教義為由，嚴格控制著人民生活，女人須戴全罩式面紗，男人不得剃鬍，更嚴禁年輕人的自由戀愛。劇情從一個理髮師傅和她的兒子開始，因為無法替個人剃鬍，生意一落千丈，年輕兒子的愛情也遭監禁。除了塔利班政府，九一一事件後的美國以反恐為由，發動軍隊轟炸並接管阿富汗，一般平民的生活更加水深火熱…。

表演藝術的跨文化，是上世紀末重要的走向，從布魯克的《摩訶婆羅達》、莫努虛金的陽光劇團，到碧娜鮑許的以駐村城市為題材…等，都是以「跨文化」來豐富已經成熟發展的西方表演藝術，但是這類的跨文化，畢竟還是以西方自身來看世界。今天，莫努虛金將發言台讓位，只擔任全力輔助的角色，阿富汗小陽光劇團的計畫，為「跨文化」走出一條令人期待的劇場風景。

                                        （刊登於表演藝術雜誌10月號之原文）

註：陽光新戲《另一條路》L’Autre Route ，確定於12月23日巴黎首演 。

延伸閱讀：

☆阿富汗小陽光劇團：官網

☆陽光劇團 系列文章

☆2005年五月，莫努虛金（影片下方白髮者）喀布爾工作坊片段。

每週一舞‧克里斯汀‧赫佐 Christian Rizzo

      克里斯汀．赫佐   攝影／林鑠齊（表演藝術雜誌185期）

每年在龐畢度中心舉行的「舞蹈影像展」，是我的舞蹈大補帖。從早放到晚，一連五週的舞蹈影片，讓我認識、或複習了不少的舞蹈史、編舞家及其作品。今年的影展即將開始，一共有100位編舞家的200部影片放映，這應該是歐陸規模最大的舞蹈影展。但是讀者可曾細想，為什麼一個現代美術館（而不是電影館或舞蹈中心），系統典藏了這麼多舞蹈影片？

我們就來談「舞蹈」與「美術」之間的關係。

從西方美術發展來看，「身體」從來是藝術家最感興趣的題目，從遠古的埃及壁畫、希臘人體素描、雕塑、文藝復興達文西的人體黃金比例…直到今日的裝置、錄像、行動，這一路發展以來，身體從未缺席。尤其是到了近代的「行動藝術」，相當程度上已經是一種，以身體展現觀念的「表演藝術」。

那舞蹈呢？從前美術一直扮演為舞蹈服務的角色，燈光、服裝、布景道具…，直到舞蹈不再獨尊舞者，將舞蹈「去身體中心」，把舞者的身體、動作，與其他舞台元素並列，從此美術元素大量進入舞蹈，包括形式、內容、空間、思想到觀念。譬如美國現代舞大師摩斯康寧漢，早期曾經有一段時間，跟抽象表現主義大師羅森柏Robert Rauschenberg 緊密合作，作品演出時實在很難分別，這是一場舞蹈表演？裝置作品？或是行動藝術？

 

                     摩斯康寧漢 《 Antic Meet 》1958 

                  裝置：羅森柏  Photo：Richard Rutledge

今天美術與舞蹈的大量相互滲透，其中的分界線，也已經越來越模糊。舞台上，美術與舞蹈合作的例子已經不稀奇，甚至連編舞家也跨界到裝置藝術，作品不時出現在美術展覽中。例如我親眼看過的，至少就有崔莎布朗、威廉弗賽、莎夏‧瓦茲、傑宏貝爾…等人。這樣來看，龐畢度中心把舞蹈影片納入典藏，也就不足為奇了。

接下來要介紹的，也是將美術與身體，混搭得厲害的編舞家 -- 克里斯汀‧赫佐。這位法國編舞家，不但受邀駐村過台灣，還幫台北舞蹈空間舞團編了一支舞《How to say “ Here” 》。他更是今年舞蹈影像展的封面人物，亦受邀於開幕演出的編舞家。

赫佐身分繁複，出生美術學校、組過搖滾樂團、有自己設計的服裝品牌，但在表演藝術界成名。他跳舞、作裝置、影像、甚至跨足戲劇，不過最顯為人知的，還是他編舞家的身分，作品曾經列入亞維儂藝術節的官方節目，也曾受邀到里昂歌劇院芭蕾舞團編舞。

成名作是1993年，和法國低音大提琴家Bruno Chevillon合作的《.../... (b) rencontre improvisée》。演出在即興的現場音樂中，赫佐一個人在舞台上一堆的物件中，弄東弄西地製造一個接一個的畫面，連燈光都是自己在台上現場控制。這個舞蹈作品，唯一像在跳舞的，反而是大提琴家的演奏動作，赫佐本人並沒有「跳」。

赫佐作品中討論的，一直是空間、視覺、聲響和時間，很難捕捉到邏輯上的「意義」，所以台上舞者的身體對他來說，純粹只是人類身體本身，所以常見到的舞者動作，盡是一些平常的自然動作，沒有劈腿、飛躍或者連轉N圈。

後來在網路影片看到舞蹈空間舞者，在其作品《How to say “ Here” 》中的努力跳舞畫面，著實嚇了一跳。只能說，這個作品中的身體，完全跳出了赫佐一貫的創作脈絡，或許也是其難得的台灣經驗。

以下放上三段影片，或許可以比較一下，赫佐如何在其作品中看身體。

☆☆延伸閱讀：一百位編舞家 Vidéodanse 2009 （免費）

影片：裝置作品《起舞》Dancing 2003

 

 

影片：《我的愛》Mon Amour 2008

 

 

影片：舞蹈空間《How to say “ Here”》2008  按這裡

一百位編舞家 Vidéodanse 2009 （免費）

     "Mon amour" de Christian Rizzo  © Marc Domage

巴黎的龐畢度中心，真是一個功能強大的現代美術館，先別提那豐富的館藏，及定時舉辦的特展，更棒的是其佈展方式及介紹說明。書上看過的藝術家或藝術流派，或許隔靴搔癢，只要看過龐畢度辦的展覽，她總能帶領觀眾，從眾說紛紜的迷宮中，看見何以成為「藝術」的奧秘。

龐畢度還有一個劇場及好幾間電影放映室，劇場演出的節目極為觀念，我看過西班牙編舞家La Ribot，讓40位業餘舞者，在台上台下笑個不停，整整一個多小時。印象深刻的還有一個荷蘭劇團，讓一堆小朋友，從頭到尾一直大聲說，大人們希望他們做的事。

為什麼這些無聊演出讓我記憶深刻呢？這就是龐畢度中心對於藝術品味的專業判斷，他們大部分選的演出，都是正在進行中的藝術潮流，或者是已經發生的經典回顧，簡單說：就是藝術史中的重要事件。

再舉一個本文要介紹的「舞蹈影像展」Vidéodanse ， 這或許是世界最重要的舞蹈影像展。早在1982年，龐畢度中心就開始重視這個藝術領域，舉辦了第一屆的Vidéodanse 。二十餘年後的今天，「舞蹈影像」早已脫離了單純的紀錄，獨自發展成一個以身體為題材的影像創作。

今年的「舞蹈影像展」的主題是「當現實進入舞蹈」Quand le réel entre dans la danse。主要論述是：對於探索現實（我們真實的生活）的熱情，是20、21世紀舞蹈發展史的重要力量，而面對這個社會「現實」，卻必須要正視人類的「缺陷」，就像美好「虛構」與真實「再現」的永遠對抗，這也是我們這個時代藝術的特徵。

攤開節目單，這個規模不小的舞蹈影像展，今年為期長達五週，一共放映100位編舞家的200部影片，而且一如往常，完全免費。這種好康，實在讓我精疲力竭，在巴黎，少的不是藝術，而是體力。

影片放映的分類包括，環境、材質、物件、舞蹈元素、食物、動物、運動、動作分析、科技的介入、舞蹈的分類、傳記、編舞過程、舞蹈效應、政治、歷史…。通常是每段時間以一個子題，然後放映相關的影片。

特別提醒一下，今年是舞蹈界大失血的一年，連走了2位不朽大師，所以本屆舞蹈影像展，共放映13部碧娜鮑許，及20部摩斯康寧漢的影片。尤其是鮑許的公開影片很少，每次一有她的影片放映，總是呈現爆滿的場面。

鴻鴻最近寫了一篇，引起表演藝術界廣大共鳴的文章「建立表演藝術資料館，刻不容緩」，看看法國公家機關龐畢度中心，如何早早在二十七年前，就在經營舞蹈影片的典藏、研究及放映，並且還支援世界其他國家舉辦Vidéodanse，這種建立文化發言權的當然業務，或許可以提供我們許多參考借鏡的地方。

「舞蹈影像展」Vidéodanse 2009

時間：10月21日～11月23日 （週二休館）11h30-21h30

地點：龐畢度中心地下樓

詳細節目介紹：按這裡

☆放一段每年百看不厭，碧娜鮑許的《穆勒咖啡館》Café Müller

每週一舞‧勅使川原三郎 Saburo Teshigawara

  勅使川原三郎 新作《Miroku》© Copyright - Breizhmag.tv

「當代舞蹈」是一篇由西方芭蕾為基礎，所發展建立的舞蹈史，東方唯一被寫進的當代舞蹈形式，大概只有日本的「舞踏」Butoh。這種日本第二次世界大戰之後，所興起的實驗性舞蹈形式，相當程度上也是尋找對抗西方舞蹈美學形式的努力成果。

舞蹈以身體表現美學，而身體牽涉到種族、文化、社會、心理 …等條件，亞洲再怎麼模仿西方，條件不同頂多只能「趨近」，很難超越或者再創造。而舞踏則是另闢蹊徑，找出完全屬於自己身體的舞蹈。

這種在外觀視覺上，光頭舞者裸身塗滿白粉，臉上的表情極為扭曲、猙獰、詭異，身體動作亦是脫離「抵抗地心引力」的西方舞蹈美學，舞者改向地板發展，時而在地上蠕動、爬行或翻滾，時而吐舌、翻白眼，透過變形的身體傳遞，當時戰後日本觸目可見的「暗黑美學」，可說是日本舞蹈界無中生有、成功地創造屬於自己的獨特形式。

今日「舞踏」已成為當代舞蹈一支重要的流派，但是如何「西學東用」，結合西方成熟發展的舞蹈形式，表現在日本人的思想與身體上，仍然是其舞蹈界持續發展的一條路線。

接下來介紹的日本當代舞蹈家－勅使川原三郎，是當今在歐洲當代舞蹈界，最具代表性的東方編舞家之一， 除了自己的渡烏舞團  KARAS，定期受到歐洲劇院邀請演出，並且是受邀至巴黎歌劇院芭蕾舞團，擔任編舞的首位亞洲編舞家。其編舞足跡還遍及德國、瑞士、荷蘭不等的芭蕾舞團，可說是亞洲舞蹈界，融貫東西的第一人。

誕生於東京的勅使川原三郎（1953）從小學習古典芭蕾，畢業於學習造形藝術的美術學校，20歲時決定跳舞，1985創立渡烏舞團，隔年作品在法國巴黎的舞蹈競賽Concours de Bagnolet，得到銀牌獎。從此打開他在歐洲舞蹈界的發展機會。

勅使川原三郎是一個總體編舞家，常在舞作兼任編舞、服裝、舞台、音樂及燈光設計等工作，這當然邀歸功於他的美術背景，但也相當程度上顯示其作品元素的全面性。他的舞台視覺性強，舞台裝置本身就已經決定了其作品，音樂燈光及服裝等眾舞台元素，也與舞蹈本身緊密結合同等重要，他三度來台演出，相信台灣觀眾可以從其發表之《絕對零度》Absolute Zero 1998、《電光石火》Luminous 2001、《人體書頁》Bones in Pages 2003等三個作品中，領略其總體藝術的舞蹈風格。

不過其真正能征服西方舞蹈界的，是其完全迥異於西方系統的身體運用。

勅使川原三郎的舞者，其舞蹈動作幾乎很少是向上跳、向前跨等向外發展，企圖克服沈重的身體，展現人體在空間中，可以找到自由的西方傳統舞蹈技巧。他的舞者雙腳貼地，重心住維持在腹部，用細微的身體關節流動，及時而緩慢輕飄、時而快如閃電的手臂及雙腳移動，來完成舞蹈動作，而這就是他說過的：「與空間對話，與空氣共舞」。

這樣的動作本身，反應的是其背後的舞蹈美學。編舞家想表達的，是一種內觀的身體思維，用身體的動作結合舞者的內省情感，在舞台的物質空間中最終完成的，是其超越寫實身體的，屬於東方抽象式、著重於精神層次、描寫生命存在之「狀態」。而這種以身體的內觀，帶出精神的思維，以輕盈的「想像」取代沈重的「肉體」，在某種程度上，也承接了「舞踏」的書寫脈絡，只是在座標定位上，更往西方、當代、光明…的方向移動。

日前觀賞勅使川原三郎最新舞作《Miroku》，是一支在三面白牆中的個人獨舞，發現跟也曾在「每週一舞」介紹過的，日本新生代編舞家梅田宏明的《碎拍漸境》，無論在舞台及身體運用上都十分相似，但是個人還是覺得勅使川原三郎更勝一籌。而這份相似，或許也預告了，某種日本當代的舞蹈美學趨勢。

以下放的影片是其2007年的創作《玻璃碎齒》Glass Tooth ，舞台是兩片堆滿玻璃碎片的地板，舞者就在危險的玻璃碎片池中跳舞，玻璃碎片透過麥克風，不斷發出隨著舞者的動作，而產生的碎裂聲響，不時還有大動作時揚起的塵埃，形式與內容結合得完美無比。也藉著這個影片，觀看舞者在艱困的玻璃池中，如何使用他們「內觀的身體」。

 

一個劇團打響一座城市‧豪華皇家劇團

表演藝術雜誌專題「為表演藝術找個家」--

國際篇‧法國之一

                 機器島樂園，走路的大象 / 謝東寧拍攝

位於法國西北的南特市Nantes，雖然只是法國第6大城，可是對於藝文活動的舉辦，只能用「辦很大」來形容。舉個例子：每年二月初舉辦的古典音樂「瘋狂日」La Folle Journée ，今年在節慶的五天內，共辦了281場音樂會。

國人較熟悉的「南特影展」Festival des trois continents ，是包含了亞洲、非洲、中南美洲的電影及紀錄片影展，可說是世界級的電影盛會。當然還有其他輪番上陣的當代藝術展、文學節、街頭戲劇、嘉年華遊行…不等。

這一切要歸功於南特市，有一個熱愛藝文的市長 Jean-Marc Ayrault ，這位廣受市民愛戴的市長，從1989年連選連任四連霸到今天，本文要介紹的，就是20年前他一手支持，現在已經是國際知名的街頭劇團「豪華皇家劇團」Royal de Luxe。

劇團在1979年由Jean-Luc Courcoult 所創立，發展可說是篳路藍縷，因為他們堅持表演不收費，人民有看戲的權利，所以一切經費都得自籌。1984到89年期間，劇團強佔了土魯斯的一座城堡，所有團員都住在一起作戲，他們屢次向土魯斯市政府申請經費未果，乾脆召開記者會，尋找願意給他們經費支援的城市。當時，剛當上市長的Jean-Marc Ayrault 伸出援手，不但願意給劇團一個佔地一萬平方米的團址，還給予相當經費的支援。

這20年來，劇團與城市的關係，可以說是魚幫水、水幫魚。慣常用日常生活物件創作的「豪華皇家劇團」，因為開始有了安定的排練場，及固定的經費預算，作品規模越來越大，1993年在該省的港口城市，演出了一個結合城市景觀，與高達8公尺的巨大人偶演出，轟動了整個法國，媒體紛紛報導，從此「豪華皇家劇團」就等同於南特市，甚至接著紛紛湧進的國際邀約，更讓南特市站上世界舞台。

而現在「豪華皇家劇團」每次新戲首演，都獻給南特市，不但吸引數萬名觀光客湧入，及國內、國際媒體的關注，同時大人偶們為期數日，在整個城市大街小巷追逐的劇情，成了整個城市觀光最好的促銷員。

不但如此，沒有戲的時候去南特旅遊，可能會被路上迎面而來，一頭高達12公尺、重達4.5公噸、緩步前行的機械大象所嚇著。這頭會走路、並可載人的南特大象，現在是南特的城市地標，一如愛菲爾鐵塔所象徵的巴黎。它來自「豪華皇家劇團」 2005年戲中的主角，現住在由舊汽車工廠改建的「機器島樂園」Les Machines de l'Ile，這個樂園裡面住著各種會移動的機器動物，是「豪華皇家劇團」分支出去的團隊，所開發出的城市遊樂園。這個前年剛成立的遊樂園，現也已經漸漸打開知名度，每天吸引著相當遊客光臨。

這位熱愛藝文的市長，當年可能沒想到，一個劇團可以打響一座城市，不過文化這件事，的確需要長期的耕耘與支持，市長若沒有當初的眼光與耐心，讓今天的南特人，以自己的城市文化活動為榮，絕對不可能連續投票，讓他一幹24年（本屆任期到2014年）。

                                                         -- 刊於表演藝術九月號原文

  （本文感謝法國南特市賴雅瑜女士協助採訪）

延伸閱讀：

☆豪華皇家劇團《巨大的鐵達尼號與潛水伕》

☆去旅行‧看街頭大人偶 Royal de Luxe

豪華皇家劇團10月慶祝「柏林圍牆倒塌20週年」演出

每週一舞‧姬爾美可Anne Teresa De Keersmaeker

--- 談「無調性身體、重複性動作」

   左：姬爾美可Anne Teresa De Keersmaeker 右：鮑許 Pina Bausch

巴黎城市劇院節目單中的羅莎舞團介紹，老是喜歡放上一張安娜‧德瑞莎‧姬爾美可的黑白照片，而這張排練場的長鏡頭，姬爾美可酷似已經遠離我們的碧娜‧鮑許，雖然這兩位女性編舞大師的風格完全迥異，但均為劇院每年固定邀請的節目。如果要說這兩位編舞家有什麼共同之處，除了綁馬尾削瘦的臉龐，真的還有那麼幾分接近，再來就是，他們都是保持低調很少公開曝光的舞蹈大師。

比利時編舞家姬爾美可（1960）出身於布魯塞爾的慕達舞蹈學校l'École Mudra （1978-80），這所學校為法國舞蹈大師貝嘉Maurice Béjart 所創辦，畢業後即渡海到美國紐約繼續習舞，在當時歐洲現代舞蹈正興盛的年代，她是其中的異數，也因此接觸到美國正蓬勃發展的後現代舞蹈la danse postmoderne。

1982年她發表了舞作《Fase》一鳴驚人，隔年創辦了羅莎舞團Compagnie Rosas，1995年更建立了舞蹈學校École P.A.R.T.S.，今日活躍於當代舞蹈的優秀創作者，不少都是畢業於此校，包括西迪‧拉比、終極舞團的的溫‧凡德吉帕斯…等。

姬爾美可至今編作了四十餘隻舞作，可說是創作力旺盛，每個時期有不同的轉變，在此想談的，是她首次讓世人驚豔的作品《Fase》。

這個以音樂為出發的舞作，三個片段分別採用美國極簡音樂作曲家，史提夫‧萊希Steve Reich 的三首曲子「Violin Phase 」1967、「Piano Phase 」1967和「Come Out 」1966。但在談舞作之前，必須先介紹史提夫‧萊希。

史提夫‧萊希是美國極簡音樂的教父級人物，在一個紀錄片當中，自稱他的極簡音樂，靈感來自爵士樂手約翰‧柯川Johe Coltran，舉例在科川的名曲「My Favorite Things」中，其實只用了一個Mi 調，但還是可以譜出動人的音樂。萊希的音樂特色就是「無調性」與「重複性」，他認為在無調與重複中，反而可以表現人類的情感。

受美國後現代舞蹈影響的姬爾美，在萊希的音樂中找到創作的靈感，因為後現代舞蹈想要去除「意義」，讓舞蹈回歸身體及表演元素本身，而萊希的極簡音樂，正好提供了一個「無調性」身體，與「重複性」動作的實驗場所，於是也展開了她與萊希的長期合作關係。

在舞作《Fase》中，完全只有單人舞及雙人舞，舞者連穿著髮型也相當極簡，在此引用好友貧窮男對於其中一段的描寫：「…兩個穿著白色洋裝白球鞋的女生，剪著清湯掛面的學生髮型，不停地轉圓圈，每十六拍之間會達成一次完美的非對稱式協調，簡單到不能再簡單的轉圈動作，卻在不斷的堆疊下，成就了美感，簡單的旋轉卻繁中有複，觀眾的呼吸隨著舞者不停的旋轉不敢鬆懈，直到舞者停下旋轉時的呼氣，但隨即是再一次不知要轉幾拍的旋轉了…」

這樣極簡及重複的身體動作，根本就像一個數學公式模型，抹除人類身體的七情六慾，丟掉歷史、故事的沈重描寫，用單純的身體動作組合，加上適當的場景，也能傳遞藝術中的「美」。雖然舞蹈中的「重複」，是個普遍的運用手法，但是姬爾美卻是其中運用得最徹底，也是最成功的前輩，而這也是她後來一連串的創作中，最重要的手法，這個創作形式，也得以讓她專注於舞蹈動作的實驗開發。

以下放的是後來拍攝的影片版，這部精彩的舞蹈影片，也得歸功於導演Thierry De Mey（1956），他是舞蹈影片的高手，此次將姬爾美可的舞放進以森林天地為舞台，更延伸作品中的身體，在天地宇宙不斷循環的自然想像。其本身也是位成功的實驗影像音樂藝術家，姬爾美跟他多次合作，作品包括以萊希音樂為背景拍的「Tippeke」1996、「Rosas danst Rosas」1997、「Fase」2002、「Counter Phrases」2005，均為膾炙人口的經典舞蹈影片。

☆Anne Teresa De Keersmaeker - Fase4/5

☆ Fase全版影片

☆ 羅莎舞團官網

☆ 舞蹈學校P.A.R.T.S.官網

巴黎白夜 2009 La nuit blanche

                  la nuit blanche 2009 paris

遙遠的巴黎，我住得越久，就覺得她越偉大。撇開那些屹立不搖的美麗街景點、博物館、歌劇院、咖啡館和…賞心悅目的美女，個城市還有我兩個最喜歡的節日，就是六月的夏日音樂節和十月的「巴黎白夜」。

這兩個均持續整夜到天明的狂歡節慶，其實只是為了迎接和送走夏天，在這兩者之間晝長夜短，然後就是憂鬱漫長、適合寫詩的冬夜了。但是想像力豐富的法國人，就是有辦法用音樂和藝術，將之辦得驚天動地，引得全世界一陣跟風。當亞洲國家還停留在蓋巨大建築的迷思中，巴黎卻已經開始引領「城市節慶」的世界新風潮。

巴黎白晝的這夜，整個巴黎成為一個美術館，今年的兩位主席是當代美術館 MAC/VAL 館長，邀請了來自全球的影像、燈光、裝置、行動…藝術家，提供適合一般或許根本不進美術館的市民，也有接近藝術的機會。而且當夜是一個歡樂節慶，就算討厭藝術，跟著人潮在城市晃來晃去，也不知不覺沾染了點藝術的味道，算是政府花大錢，不計成本強迫市民看藝術。天哪！真不想離開這裡，回到信仰「使用者付費」的家鄉。

在「根本不可能全部看完」的眾多節目中，快跟各位介紹我的精選。第八屆的「巴黎白晝」在本週六（10月4日）晚上七點到凌晨七點舉行，主要集中在巴黎地鐵11號線的 Buttes Chaumont、 Châtelet / Marais 和 Quartier Latin 這三大區域，咱們就搭上11號線地鐵，跟著這三區走。

Buttes Chaumont 公園

 

◎法國年輕裝置藝術家Vincent Olinet 的作品「我的園遊會」Ma fête foraine 2004。

◎Michel Blazy(1966)是目前法國新生代中，相當開生面的藝術家，其作品常是有機生物，經過時間變化而產生的自然狀態，特殊的造型仔細一看，確有時間和自然循環的聯想，接近於義大利貧窮藝術，但更切題於有機的自然生態藝術。她和法國攝影家Valérie Jouve 在places de fête 廣場四週和植物上，放置影像作品「觀點」Regards croisés 。

Place de la Bataile–de–Stalingre

◎哥斯大黎加藝術家Priscilla Monge （1968） 的夜間足球場。看這丘陵起伏的草地，怎麼踢球呀？不過倒是蠻適合裸奔的。

市中心 Châtelet, le Théâtre de la Ville

◎經常在作品中，探討當代人們出入於公/私空間的心理經驗，美國加洲影像藝術家道格•艾得肯 Doug Aitken（1968），展出他在1999年威尼斯雙年展的作品「歇斯底里」Hysteria，包括了影像與現場搖滾演唱。

 

市政府 l'Hotel de ville

◎韓國藝術家金守子 Kimsooja 是一個有趣的身體行動藝術家，作品經常包含她本人，長髮一束地背對著觀眾，面對的大螢幕影像，從抽象的顏色、聲響，到各國都市的街景，其個人站立在影像前數小時的行動藝術，像一個小寫的「I」抵抗巨大的世界，涉及的是其個人背景，和個體在全球化世界裡的位置。新作「巴黎麵條女人」Noodle Woman in Paris，則是她站立在香榭大道影像前的行動。

L'Hôtel d'Albret, rue des Francs-Bourgeois

 

◎前面介紹過的法國藝術家 Vincent Olinet 的另一件作品，一棵帶刺卻長滿花朵的樹「我愛大家」Je vous aime tous ，而所有樹上新鮮的花朵，也將在節慶結束的清晨，跟著人潮的離去而枯萎。

巴黎聖母院 la cathédrale Notre-Dame

 

◎瑞士普普女藝術家 Sylvie Fleury 的輕鬆幽默作品「晶體」les Cristaux ，配合莊嚴大教堂的空間與燭光，作品也產生個某種神聖性。

拉丁區  le Quartier latin  La Bûcherie

◎法國當代藝術家Gilles Barbier（1965）的作品「暈眩」L'ivrogne。一個脫掉西裝，跪在地上的光頭男子，頭上颳起一陣亂七八糟的旋風，相當表呈現了現代人的生活樣貌。

巴黎錢幣博物館 la Monnaie de Paris

 

 

◎在高等美術學院執教，同時也是東京宮年輕藝術家策展人，法國影像藝術家Ange Leccia（1952）展出作品「聚合」  Fusion。並與其他學校師生作品共同成為「夜之影像」 Images de nuit 影像聯展。

盧森堡公園 jardin du Luxembourg

◎加拿大藝術家 Michel de Broin ，將在盧森堡公園呈現新作品「艾菲爾鐵塔的情婦」La Maîtresse de la Tour Eiffel。空中吊起的一顆巨大水晶亮片圓球，在周圍強力聚光燈照射之下，夜間的公園將一片閃爍繽紛，硬要搶愛菲爾鐵塔的風采。

推特、臉書也「白夜」

◎網路世代，城市節慶也沒忘了這個超級虛擬展場，準備好你的微網誌，今年的「巴黎白夜」官網，將開放推特和臉書和網友連線，你也可以把自己的作品Po上去，結交全球的藝術家，搞不好下一屆的巴黎白夜，就有你的實體作品出現在巴黎。

沒介紹到的作品還有更多，當晚各地都有服務攤位，別忘了去要一本厚厚的節目冊。本週六住巴黎的朋友，如果還想賴在家，等到天寒地凍的冬季降臨巴黎，一定會後悔那天怎麼沒有出門，參加這場抓住夏天尾巴的最後狂歡夜。

☆ La Nuit Blanche 官網